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Ignasi Monreal es uno de esos niños genios que nace con el talento de la estrategia: saber que dibujar y cuando dibujarlo. Con tan solo 22 años, este barcelonés residente en Madrid posee el talento de la costura visual, de construir atuendos dignos de la manufactura de las grandes casas de moda a punta de pintura digital.

Influenciado por el comic, el trabajo de Monreal es voluptuoso, realista y evocador. Su primera formación académica fue Comic e Ilustración en la Escuela Joso de Barcelona, luego Comunicación en la Complutense y Diseño en el Instituto Europeo de Diseño (IED). De esta fusión se deriva esta estética heroica tipo Marvel combinada con la pomposidad, rigurosidad y delicadeza de las producciones de moda.

Su encuentro inicial con esta industria fue a los 17, momento en el cual le comisionaron sus primeras ilustraciones de moda. Siendo consiente de su desconocimiento en el tema, Ignasi decide buscar referentes en reconocidos blogs de moda como The Sartorialist y Style.com y es allí en donde empieza a distinguir entre grandes marcas y diseñadores como Alexander McQueen y Dolce & Gabanna.

Este nuevo universo fashionista tenía muchas cualidades que lo hacían tan o más fantástico que el mundo del comic del cual venía, la moda también posibilitaba la creación de personajes, historias y superpoderes pero sobretodo, y lo que más le interesó a Ignasi, fue la idea de conceptualizar a través de la imagen, que es un proceso distinto al de retratar o narrar linealmente. Es así como inicia su producción artística como ilustrador de moda y su trabajo, colorido, sensual, femenino y surrealista, empieza a circular la red.

Como proyecto final de su curso en el IED, este chico desarrolló toda una serie de ilustraciones basadas en los looks más icónicos de Alexander McQueen (que ya de por sí tienen la mejor fusión entre arte, ciencia ficción y moda). Inmediatamente capturó los ojos de la industria, consiguiendo comisiones para Harper's Bazaar, Vogue y V Magazine. Entre sus trabajos recientes esta una serie de looks para la cadena de ropa china: JOYCE.

Aquí los dejo con un timelapse de una de sus ilustraciones, y el link a su pagina web.
Un abrazo para todos.

[Via Nia en Bitacora]

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Debutando como ponente con su más reciente exploración cinematográfica titulada “Transparente” en el XIV FESTIVAL INTERNACIONAL VIDEODANZABA MEMORIA, CUERPO, IMAGEN / MEMORY, BODY, IMAGE de Buenos Aires, organizado por el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti este 24 de septiembre. Diana Salcedo se perfila como una de las directoras con mayor proyección del país en el género de video-danza.

Entusiasmados por el trabajo de esta bumanguesa amante del teatro y la fotografía, logramos entrevistarnos con ella, para que nos cuente de primera mano cual fue su experiencia al abordar uno de los territorios audiovisuales más inexplorados e incomprendidos, cruce de dos artes, la danza contemporánea y el video.

Infinitylab: ¿Cómo surgió la idea de rodar “transparente”?

Diana Salcedo: A comienzos del 2012 el artista visual Leo Carreño me invitó a ver su intervención de video para una obra de danza. Fue en el teatro Varasanta y la obra se llamaba "Transparente". Era una beca de creación del Ministerio de Cultura, dirigida por Martha Hincapié Charry interpretada por la compañía Danza Común. La obra me encantó.

Este año, durante el lanzamiento del Festival Impulsos tuve la suerte de ver a Martha de nuevo. Coincidimos en los ánimos por hacer un proyecto de videodanza y me propuso hacer una versión para cámara de su obra. En dos semanas organizamos el equipo para el rodaje.

La compañía Danza Común accedió a interpretar la coreografía para cámara y conté con los cuatro bailarines originales de la obra, Sofía Mejía, Zoitsa Noriega, Rodrigo Estrada y Andrés Lagos.

Al mismo tiempo, contamos con un equipo de personas muy talentosas como Randi Luna Lofstedt y Leo Carreño en la dirección de fotografía, Andrés Mauricio Colmenares en música, Natalia Esguerra en el diseño del vestuario y Marisa Martin en la gestión. Gracias a Laura Esguerra tuve la fortuna que su abuela, la artista Alicia Tafur nos permitiera rodar la película en su hermosa casa en una montaña de Tabio. Esta locación me fue dando las herramientas para no sólo acoger la coreografía y encontrar su relación con la cámara, sino también para convertir esta montaña en una protagonista más de la película.


Ilab: ¿Porque contar una historia a través del movimiento cuerpo y no por medio de palabras?

Diana: No es una cuestión de preferencia. Los movimientos de la danza también pueden generar palabras que hagan parte de la narrativa de la obra. En el caso de Transparente, la coreografía y la cámara generan un diálogo que permite trazar curvas narrativas entre los personajes sin necesidad de usar palabras, pero esto no significa que prefiera más el movimiento corporal a las palabras o viceversa.

Ilab: Por lo general las narrativas audiovisuales están inspiradas en la vida o en una ficción, ¿esta historia está basada en una experiencia personal?

Diana: El concepto de la obra en escena parte de la inquietud personal de la coreógrafa, que se venía planteando cuestiones sobre la naturaleza fugaz de la Danza. Al leer el libro "Sobre la Fotografía" de Susan Sontag decidió investigar sobre la relación de la danza y la fotografía, de la imagen y el movimiento.

Al convocar a la compañía Danza Común al proceso de creación, les abrió el espacio creativo para explorar y proponer sus propias vivencias y perspectivas sobre las preguntas planteadas en la obra.

Después de entrecruzarse todas estas visiones el resultado fue una reflexión sobre la vida y la muerte (Eros/Thanatos), no solo sobre la naturaleza fugaz del movimiento, sino también sobre el estado efímero del cuerpo.

Cuando decidimos realizar la adaptación para cámara, lo efímero de toda la situación me permitió absorberla y dejarme llevar por el proceso creativo que traían los miembros de la pieza, la carga emocional y las ganas de transformar algo diseñado para escena en un proyecto audiovisual.

Ilab: Entendemos que es complicado conciliar dos tipos de lenguaje, por un lado la danza contemporánea y por el otro lado el video. ¿Cómo fue tu experiencia a la hora de adaptar una coreografía a un formato cinematográfico?

Diana: Para adaptar la pieza coreográfica a videodanza, me involucré con su proceso de creación encontrando lazos entre los personajes que habían creado, la relación con sus vidas personales y ahora, el nuevo miembro de la pieza: la cámara. La cámara para mi es una extensión del cuerpo que me permite capturar día a día momentos o pensamientos desde una imagen estática hasta una imagen en movimiento. Martha y los bailarines ya habían explorado la fotografía, era entonces para mi una oportunidad única de explorar la coreografía desde el video.

Desde el primer momento que la visité, la finca de Alicia Tafur me transportó a mi infancia en Bucaramanga creando una nostalgia por el proceso de vida que he tenido hasta la actualidad. La iglesia en ruinas se entrelaza con mi familia y su fe católica, la casa de muñecas de mis amigas Laura y Natalia revivió las horas interminables que compartía con estos juguetes creando historias y el camino de entrada, es una larga procesión que marcó la escena principal de la película: una procesión por la vida.

Merce Cunningham decía: "Realmente hay que amar la danza para dedicarle la vida. No te devuelve nada: ni manuscritos que conservar, ni pinturas que mostrar en las paredes o tal vez colgar en los museos, ni poemas para editarse o venderse. Nada más que un simple momento fugaz en el que te sientes vivo. La danza no está hecha para almas inestables". La cámara no pretende ser un intruso que daña la fugacidad del cuerpo en danza. La cámara quiere ser un personaje más que comparte con ellos su visita a la montaña.

Ilab: ¿Porque elegiste un territorio cultural como la video-danza como tú primer largometraje?

Diana: Para esto me voy a remitir a mis obras anteriores. "Sin darle cuerda" fue mi ópera prima en el género. Es un cortometraje de cinco minutos el cual realicé durante un intercambio universitario en Buenos Aires en el 2007. Era la primera vez que involucraba el lenguaje cinematográfico con la danza, específicamente el ballet. No sólo por el hecho de haber rodado en formato análogo con una Bolex 16mm sino por tener las pautas de la narrativa cinematográfica muy presentes aunque siempre con ánimos de romperlas. Sin embargo, fue una experiencia que aún no maduraba su posición con el género de la videodanza y se presentó en varios festivales tanto de video-arte, cine experimental o videodanza.

En el 2009 comencé un proceso de investigación para mi tesis, en esta investigación, intenté ir más allá del lenguaje cinematográfico de tal manera que la cámara pudiera respetar la cualidad de fugacidad del cuerpo en danza, es decir, no grabar. En escena, el movimiento es único y esta cualidad es lo que lo hace maravilloso. La cámara si graba, entra a registrar y encapsula el movimiento, sin dejarlo respirar. La investigación tuvo en medio de su proceso (aún sigue vigente) la obra "Soplo de polvo" instalación de video y danza, en la que la imagen de Aleksandra Rudnicka bailarina y coreógrafa polaca, se repetía una y otra vez en las cuatro pantallas que conformaban la instalación por medio de un circuito cerrado de video con programación en software.

Desde entonces, el video en escena y su interacción con los bailarines o artistas del performance ha sido motivo de mi investigación. He participado en obras como "Proyecto Tempestad" de Eloísa Jaramillo y "Crónica de una historia danzada" de L'Explose haciendo diseño de video. No obstante, este año revive una preocupación por mis ganas de hacer videodanza. Para este entonces, llevaba ya casi cuatro años de haber realizado "Sin darle cuerda" y por cosas de la vida me reúno con Martha y decido explorar este camino de nuevo. Es aquí en donde la historia de Transparente comienza.

Ilab: ¿Cuál crees es el futuro de la danza contemporánea en Colombia?

Diana: Pienso que estamos en un momento interdisciplinar en donde la danza contemporánea tiene todo el material para unirse con otras disciplinas no sólo del arte sino de otras ramas, como la ciencia y la tecnología. De esta manera su panorama puede abarcar otros espacios y experiencias.

Por otro lado, toda práctica artística tiene futuro en el país siempre y cuando los apoyos sigan existiendo al igual que las ganas del público por ver y apoyar este tipo de obras.

Ilab: ¿Que se viene para “Transparente” en el futuro cercano?

Diana: Transparente acaba de tener un gran comienzo participando en tres festivales durante el mes de julio: Screenings BAM - Bogotá Audiovisual Market con una proyección en el Multiplex Avenida Chile de Cine Colombia, su premier mundial en el American Dance Festival dentro de su sección International Screendance Festival en las instalaciones de la Universidad de Duke en Durham, Carolina del norte y es parte de la selección oficial de SEDA Semana del audiovisual de Córdoba, Argentina.

Al mismo tiempo, es invitado especial del festival SurReal Berlín 2013 - Festival Iberoamericano de Videodanza en el mes de octubre con una proyección en los cines Babylon de la ciudad. Pronto tendré más noticias acerca de su distribución y participación en más festivales.


Ilab: ¿Qué les aconsejarías a las personas que están interesadas en incursionar en la producción audiovisual de este tipo de géneros?

Diana: Rodrigo Alonso nombra uno de sus ensayos así: "video danza: otro bastardo en la familia" lo cual deja al género en una posición ambivalente de entrada. No obstante, tiene razón. "La videodanza" o "el videodanza" o "la danza para la cámara" es un género híbrido que aún se define, por lo que mi consejo sería: la experimentación está bienvenida.

Para más información pueden visitar: www.dianasalcedo.com

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En infinitylab hemos estado a la expectativa del próximo PechaKucha Bogotá que este jueves 1 de agosto celebra su décima versión en el auditorio Mario Laserna de la Universidad de los Andes (Entrada Libre). La verdad es que estamos muy contentos, porque entendemos que este es uno de los ciclos de conferencias para diseñadores y creativos más importantes del mundo y uno de los espacios culturales más importantes de Bogotá.

Con mucha curiosidad buscamos a Nobara Hayakawa, la organizadora y embajadora de PechaKucha en Colombia, para que compartiera con nosotros su opinión personal del panorama cultural de la ciudad, sobre lo que piensa de la gestión actual de las industrias creativas del país y para que nos hable un poco de la misión de PechaKucha en Colombia.

Infinitylab: ¿Por qué hacer un evento de PechaKucha en Bogotá?

Nobara: Al principio estuvimos impulsados por la curiosidad de saber qué es lo que estaba pasando en las mentes de los bogotanos, y nos lanzamos a ensayar el formato en un pequeño restaurante con tarima. Pero luego de experimentar la buena energía que circula luego de una noche PechaKucha, se convirtió en una pasión. Entonces lo hacemos porque nos gusta.

Ilab: ¿Como ves el panorama cultural en Bogotá en comparación con otras capitales del mundo en donde se realiza el evento?

N: El evento se celebra ya en 666 ciudades, desde las más grandes capitales como Nueva York, hasta lugares remotos de Australia como Albury-Wodonga, que tiene poco más de 100.000 habitantes, así que es muy difícil hacer un ejercicio comparativo, ya que siempre habrá lugares con mayor actividad cultural y otros donde PechaKucha es casi lo único que sucede. En el caso bogotano el panorama cultural se ha expandido mucho en los últimos años, gracias a los gestores privados. Los inversionistas hasta ahora están empezando a entender que la cultura es una industria boyante; sin embargo aún es largo el camino, y abundan los proyectos que no han podido ver la luz por falta de presupuesto.

 Ilab: ¿Cuál crees que es el mayor reto de los diseñadores, artistas e innovadores en la actualidad?

N: Tal vez sea lograr que su trabajo sea auto-sostenible. Un diseñador empleado en una agencia de publicidad quizá se sienta frustrado por no poder trabajar en lo que realmente le interesa, mientras artistas se dedican a otros oficios para sobrevivir. Esto va en contravía de sus sueños, de sus capacidades y de la formación que recibieron (y por la que normalmente pagaron un alto costo), así que es fundamental encontrar la manera de poder hacer lo que se quiere ser. Esto aplica para cualquier profesión, uno debe tratar de encontrar su lugar en el mundo.

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Ilab: ¿Cuál crees que es la misión de PechaKucha alrededor del mundo?

N: No sé si exista una misión como tal, creo que es un organismo vivo que ha ido creciendo ante los sorprendidos ojos de sus creadores, una pareja de arquitectos en Tokio que en principio solo querían atraer gente a su enorme y -antes- vacío bar. Con la centralización de la información de todos los eventos en un solo portal se hace evidente el deseo de configurar una gran comunidad global alrededor de la creación. En ese sentido, la misión sería acercar a las personas, con todo lo que esto puede implicar.

Ilab: En Bogotá se habla de una emergente industria de la creatividad compuesta por diseñadores, realizadores audiovisuales, publicistas, arquitectos y músicos pero ¿existe en Colombia una verdadera industria creativa?

N: Como lo mencioné antes, hay una enorme cantidad de gente con ideas y la capacidad de desarrollar proyectos, pero todavía debe luchar por la validación social de su trabajo, que se traduce en honorarios ajustados a su esfuerzo y capacidades, y también en financiaciones y apoyos; antes se dependía casi exclusivamente de las ayudas institucionales, lo cual limitaba muchísimo el panorama, pero se empieza a sentir el cambio a medida que los patrocinadores privados reconocen el valor no solo simbólico sino material de la cultura. La industria creativa se verá cuando los músicos dejen de tocar gratis, los diseñadores dejen de sentir que cualquiera en posesión de un software sea competencia, cuando la gente asista al cine colombiano en masa, etc.

Ilab: ¿Cuál piensas que es el límite que separa al diseño y a las industrias creativas de la gestión cultural?

N: Lo que ha sucedido de manera espontánea es que diseñadores y artistas que querían sacar adelante sus ideas se fueron convirtiendo en una suerte de emprendedores empíricos, pero una industria cultural como tal exige profesionales formados en gestión que conozcan el funcionamiento del mercado y la legislación entre otros, y que tengan además el criterio para desarrollar los proyectos. Los diseñadores y artistas no estamos entrenados para enfrentar retos de esa naturaleza y puede llegar a ser muy desgastante. La creación y la gestión van de la mano, pero son oficios completamente diferentes.

Ilab: ¿Cuál es la posición del gobierno y las instituciones frente al fortalecimiento de la cultura en Colombia?

N: Tenemos un Ministerio de Cultura a nivel nacional y un Instituto de las Artes a nivel distrital que son los entes encargados de administrar los dineros destinados al rubro cultural, y que ofrecen becas, premios y apoyos por concurso a quienes quieran y puedan llevar a cabo proyectos enmarcados dentro de los intereses de estas instituciones. Infortunadamente nunca son suficientes, y en este país, donde la salud y la educación están por debajo de otras prioridades, la cultura es casi un accesorio.

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Ilab: La gestión independiente se ha convertido en la vía de transformación cultural de la ciudad, en tu experiencia ¿Puede existir un equilibrio entra este tipo de gestiones y las realizadas por instituciones?

N: Debería haberlo. En un panorama ideal, habría instituciones que proveen más escenarios e infraestructura (más presupuesto mejor administrado) para promover esas manifestaciones que conciernen a lo institucional (memoria, identidad, patrimonio, innovación, etc.) y de manera simultánea, tendría que haber empresas privadas con el músculo económico para estimular otro tipo de manifestaciones culturales. Esto se traduciría en una ampliación del espectro y un enriquecimiento de la vida para todos los ciudadanos. Los gestores independientes hallarían espacio en ambos campos o combinarían los apoyos, como lo ha hecho el Festival Iberoamericano de Teatro.

Los grandes espectáculos culturales de los que ha gozado la ciudad recientemente son en su mayoría privados, como el teatro de un potentado que trae intérpretes de talla mundial y un festival de música con un cartel de bandas mucho más importante que el festival de rock oficial. El gran mérito de los independientes es que están educando al público, que ya no recibe con el mismo ciego entusiasmo lo que ofrecen las instituciones.

 

Ilab: ¿Cuál crees que es la posición de los empresarios e instituciones sobre la gestión cultural, existe verdadero apoyo o la cultura se ha convertido en una postura de cajón?

N: Hay figuras legales como la reducción de impuestos a las compañías que hacen donaciones a la cultura que de algún modo estimulan el apoyo, y hay algunos empresarios que entienden los beneficios económicos de involucrarse en este tipo de proyectos, pero quienes los hacemos nos enfrentamos a nuestra propia ignorancia: ¡no sabemos cómo ni dónde pedir la plata!

Para lograr consolidar una genuina industria de la cultura hace falta mucha más gente preparada para sacar adelante toda la riqueza que permanece oculta en los estudios y talleres de los creadores. En la medida en que crezca esta fuerza, instituciones y empresarios querrán involucrarse: ¡también hay que educarlos a ellos!

Ilab: ¿Cómo fortalecerías la industria cultural en Bogotá?

-¿Si fuera alcaldesa de Bogotá, dices? ¿o si fuera millonaria? (risas)

N: Yo creo que los ciudadanos comunes y corrientes podemos aportar a la cultura local acudiendo a los eventos, asistiendo a todo lo que sea posible, porque un público formado, con criterio y que exige las cosas bien hechas es la verdadera fuerza y la razón por la que existen las manifestaciones culturales. Es mejor ir a un concierto que pasear por el centro comercial. Y los ciudadanos que trabajamos en este medio de las artes y la cultura no podemos dejarnos vencer: así sea poquito lo que hagamos, es importante y es mejor que nada.
Ilab: ¿Qué recomendaciones le harías a todos aquellos que quisieran emprender un proyecto independiente que favorezca la cultura?
N: Que tengan paciencia, que perseveren y se asocien con personas que los puedan guiar y apoyar en los procesos más difíciles de entender para un entusiasta de la cultura (responsabilidad social, administración de presupuestos, logística, etc.).

Gracias Nobara por compartir con nosotros tu opinión.

¡Esperamos que tengas mucho éxito con este próximo PKN que se avecina!

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Este jueves 1º de agosto se celebra el décimo volumen de PechaKucha, una noche donde 12 personas de diversas áreas de la creación hablan de su trabajo, mostrando 20 imágenes que son proyectadas por 20 segundos cada una, para un total de 6 minutos y 40 segundos por presentador.

Este formato de micro-conferencias fue ideado por los arquitectos británicos afincados en Tokio Klein-Dytham, y ya se celebra permanentemente en 666 ciudades del mundo.

La entrada es gratuita.

Mayor información:
www.pechakucha.org/cities/bogota

www.facebook.com/pechakucha.bogota


PechaKucha Night vol.10
Jueves 1º de Agosto de 2013
Auditorio Mario Laserna
Universidad de los Andes

7:00p.m.
Entrada libre.

Con el apoyo del Departamento de Artes de la Universidad de los Andes
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Felipe es un teso, de eso no hay duda. Ya ésta es la segunda vez que escribo sobre el y su trabajo que, viral y contagioso como su talento mismo, llegó a mi a través de las redes y las voces. Admiradora y difusora de su obra desde el día en que lo reseñé, descubrí un día que el ilustrador caleño también era profesor. Le escribí de una, concretamos y nos conocimos para empezar a pintar.

Ser su alumna me dio la oportunidad de conocer más sobre sus procesos, conceptualizaciones y la evolución de su obra en la que un conjunto de elementos, cautelosamente elegidos y dispuestos sobre una figura femenina, trasmiten una idea que navega en aguas divididas (reales e imaginarias), dejando al espectador con la sensación de estar frente a criaturas que no existen pero que perfectamente podría encontrarse en el ascensor de un edificio.

Durante nuestras charlas le propuse grabar una entrevista para mi y para InfinityLab, para que hablara del rumbo por el cual quiere llevar su trabajo, su motivación como profesor, sus fuentes de inspiración y así compartir un poco la experiencia de conocer al artista detrás de la obra.

Producido por InfinityLab, Audiovisuales Minacuro y mi pagina web, Nia en Bitacora, aquí les dejo el resultado de charlar con Felipe Bedoya.

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Entrevista a Felipe Bedoya, diseñador gráfico - ilustrador. [facebook.com/doya.art]

Realización: Estefanía Jiménez Zúñiga www.niaenbitacora.com

Cristhian Gaviria Rivera www.cgaviria.com

Rafael Sanz Hurtado www.rafaelsanz.net  

facebook.com/minacuro infinitylab.net

 

 

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A las 8:12 am en frente de la oficina, en plena carrera 13 con calle 96, de la nada me raparon el iphone y se volaron en una moto con las placas tapadas, finalmente, luego de 9 años de vivir en Bogotá puedo decir a ciencia cierta que esta ciudad es una mierda...

Sí, me robaron en el mismísimo lugar donde desfilan innumerables celebridades del Jet Set criollo, casi en frente de Gaira, donde permanece Carlos Vives y su combo; al lado de Cactus, ese restaurante tradicional que se precia de preparar una de las más exquisitas hamburguesas del país; en el mismo lugar donde estaciona el general Naranjo con su comitiva de camionetas y motos de la policía nacional, el mismo lugar donde estacionan carros cuyo costo supera los ochenta millones de pesos en promedio, el mismo lugar por el que cada hora hace ronda una patrulla de la policía, el mismo lugar por dónde cruza Hernán Zajar, un lugar de mierda.
 
Sí, me robaron, a mí, un arquitecto que tiene pinta de todo menos de arquitecto, mal vestido y fresco, al mismo que confunden con el que vende minutos y con el que maneja el parqueadero, que prefiere no utilizar reloj para que no se lo roben, que hacía lo posible por no utilizar su teléfono en la calle mucho antes de que Petro lo sugiriera, un tipo que lo único que cargaba de carácter "robable" era el teléfono celular, y voilà, se lo robaron.
 
Debo confesar que me sentí robado con el robo (valga la redundancia), fue un robo sofisticado, sin sangre, ni policía, ni escándalo; me robó un personaje por lejos mejor vestido que yo, con chaqueta de cuero y al mejor estilo de película, mientras el personaje me "rapaba" el teléfono por la espalda su compinche motorizado lo esperaba, estuve a 2cm de agarrarlo del cuello de la chaqueta, pero no, pegó un saltico, se medio montó en la moto andando y adiós, entonces viendo que mi iPhone5 se largaba con el primer hampón que le coqueteó sólo se me ocurrió estrellar mi paraguas contra el piso, gritar un corajudo y rábico "hijueputa", y pensar "hijueputa, ahí va un millón de pesos que sudé trabajando".
 
Podría hacer pataleta, culpar a Petro, alegar que mi insignificante robo es producto de dejar la ciudad en manos de la izquierda, retomar aquel pensamiento hostil y fascista de luchar por una limpieza social en la ciudad al mejor estilo Mano Negra, pero no, hace seis meses le metí un millón de pesos a un teléfono celular y esto era apenas uno de los riesgos que corría, y sí, fue bonito mientras duró.
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En homenaje al memorable y famoso corto de la lámpara de Pixar “Luxo” animado en 1986, en donde una joven lámpara y su madre juegan con una pelota. Adam Ben-Dror, Shanshan Zhou y Joss Doggett; tres jóvenes australianos estudiantes de electrónica decidieron dar a luz al famoso icono de Pixar.

Este proyecto robótico, llamado “Pinokio” por sus creadores, es una lámpara interactiva, que se mueve y reacciona a la presencia de los seres humanos a su alrededor, gracias a la potencia de seis motores que facilitan su movimiento, una webcam para el reconocimiento facial, (tecnología de “Eye Tracking”) y una board de programación de Arduino.

Además de integrar en su interior un potente micrófono alterado que permite que este simpático robot reconozca sonido y denote expresividad en su comportamiento.

Pinokio es una maquina con personalidad propia, que imita y simula emociones, demanda atención y exige energía para alimentarse… En resumen, podría pensarse que Pinokio, es más una mascota con forma de objeto, que un robot cualquiera.

[Via Pinokio]

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Detrás de Nitro Chimp.

En diciembre de 2012 fue lanzado “Nitro Chimp” una de los videojuegos más espectaculares que se hayan realizado en Colombia. Convirtiéndose en una de las aplicaciones más populares del app store, logrando superar más de las 600.000 descargas durante el 2013.

En “Nitro Chimp”, el objetivo del juego es ayudar a un joven chimpancé a convertirse en el acróbata de riesgo en motocicleta más importante del mundo, en dónde deberá evitar que un prepotente gorila le impida llegar a la meta y recolectar la mayor cantidad de bananas posibles.

Al transcurrir por diferentes escenarios, después de realizar proezas impensables y todo tipo de trucos aéreos, podrás ir adquiriendo diferentes items, accesorios, armas y motocicletas para ayudar a “Nitro Chimp” a convertirse en un Az de la carretera.

imagen web

Después de haber jugado durante mucho tiempo y haber disfrutado con este juego lleno de rebeldía y adrenalina, nos encontramos con que sus creadores son dos jóvenes desarrolladores de Medellín y tuvimos la fortuna de entrevistarnos con Camilo Herrera, socio fundador de C2 Game Studio, y uno de los creadores del simpático y aventurero chimpancé adicto a la velocidad y a los deportes de riesgo.

Camilo: Hola infinitylab, muchas gracias por tu interés en Nitro Chimp y nuestra empresa. Te cuento un poco del equipo.

En este momento somos seis personas en la empresa. Luis Carlos Correa, mi socio, quién estudio computación grafica en tiempo real en Digipen y luego trabajo en Midway (la empresa que hizo Mortal Kombat). Yo estudie ingeniería de Sistemas en EAFIT y luego trabaje en telecomunicaciones en Israel y Taiwán por cinco años. Cuando los dos volvimos al país fundamos C2 Game Studio. El diseño del personaje y la animación fueron desarrolladas por una empresa de Medellín llamada Sky Branding. La banda sonora del juego fue creada por Volta Estudio.

Infinitylab: ¿Cómo nació la idea diseñar un video-juego?

Camilo: Esta siempre había sido la pasión de uno de los Co-fundadores de C2 Game Studio, Luis Carlos Correa. Desde pequeño ha sido apasionado por los video juegos y su sueño era diseñarlos.

Infinitylab: ¿Qué los inspiró y motivo para crear Nitro Chimp?

Camilo: Desde pequeños nos gustó competir en carreras de motocicleta en Excitebike por lo que nos llamó mucho la atención el juego Joe Danger. Quisimos combinar este tema con la mecánica de los Endless Runners, en especial Jetpack Joyride y todo esto lo hicimos creando el personaje Nitro Chimp.

Infinitylab: ¿Cuál crees que fue el secreto del éxito detrás de Nitro Chimp?

Camilo: Creemos que el juego tiene un personaje muy atractivo para un público variado. Nitro Chimp es amigable, tierno pero tiene una actitud rockanrollera impactante. Las mecánicas del juego son entretenidas y te hacen querer jugarlo una y otra vez.

Infinitylab: ¿Cuéntanos cuál es el mayor reto a la hora de diseñar y crear un video-juego?

Camilo: Crear un juego tiene una gran serie de retos asociados. Desde organizar el equipo que lo desarrollará, pasando por encontrar un nicho especifico al cual está dirigido el juego, hasta pensar en cómo se va a monetizar el juego para poder lograr que la empresa sea sostenible.

Infinitylab: ¿Qué sorpresas nos tienen preparadas en el futuro C2 Game Studio?

Camilo: En este momento estamos trabajando en dos nuevos juegos que ya firmamos con publishers internacionales.

Infinitylab: ¿Qué les aconsejarías a los jóvenes diseñadores y programadores que quieran diseñar un video-juego en Colombia?

Camilo: Mi recomendación es que estudien lo más que puedan al respecto y comiencen a hacer pequeños juegos tan pronto como sea posible. En internet encuentran todas las herramientas necesarias para desarrollar un juego y la experiencia que les da ejecutar un proyecto completo es muy grande. También les recomiendo que organicen un equipo multidisciplinario, donde cada miembro pueda aportar habilidades especializadas por ejemplo en programación, arte, música, diseño y negocio.

Infinitylab: Gracias por tu colaboración y tiempo para responder a estas preguntas.

Camilo: ¡Muchas gracias!

Para todos los interesados les compartimos un video como aperitivo a este grandioso video-juego y un enlace para en descargar esta divertida aplicación. https://itunes.apple.com/co/app/nitro-chimp/id557150450?mt=8

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Maddie es una perrita callejera, a quien la vida después de muchos años y pesares le ofreció una segunda oportunidad de manos de Humprey; Su nuevo amo, fotógrafo, manager y mejor amigo. Dice ese viejo adagio popular -“que los perros son los mejores amigos del hombre”. Es cierto, pero ese lazo es aún más significativo cuando los hombres son los mejores amigos de sus perros y hacen hasta lo impensable por verlos felices. 

En el caso de Humprey… bueno él, hace hasta lo imposible por retratar a Maddie en todo tipo de situaciones, sin importar lo usual o inusual que parezcan estos momentos.

Por otro lado, Maddie fue adoptada como parte de una iniciativa por rescatar animales sin hogar, a sus dos años y medio (veinticuatro años en edad humana), este divertido can, le ha dado la vuelta a los Estados Unidos en un road trip que busca recaudar fondos para otros animales necesitados y promocionar su más reciente publicación de fotografías, las cuales se han convertido en publicaciones virales alcanzando más 30,000 likes en promedio y más de 145.000 seguidores en tumblr.

Esperamos que se diviertan con las entretenidas aventuras de Maddie y Humprey en su blog. También si pueden y se conmueven con esta iniciativa, tal vez, se atrevan a rescatar a un perro de la calle y ofrecerle un hogar.

[via Maddie on Things]

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Ha cuantos de nosotros, nos gusta ir a la playa, tomar fotos, pasar un rato con los amigos, leer un buen libro bajo el sol o incluso una revista, y nos dan ganas de compartir toda esta experiencia en Instagram sin preocuparnos por el nivel de carga de nuestro celular. Para esto Nivea ha desarrollado un "Anuncio en papel" que gracias a un panel solar te recarga el móvil para cuando estamos en temporada de vacaciones. 

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