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Con el apoyo de la Residencia de Creación de Adobe y de StructuralGraphics, la artista Kelli Anderson ha desarrollado un libro que por medio de recortes de papel, levanta una cámara “pop up” con la capacidad de registrar imágenesen papel fotosensible.
 
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El arquitecto español Rafael Moneo, ganador del prestigioso Premio Pritzker, construirá en Miami el que será su primer proyecto turístico-residencial en Estados Unidos, dos torres y una marina frente a la Bahía de Vizcaya, en un gran terreno que alberga otros tres edificios de distintas épocas.

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Desde hace unos meses nuestro equipo editorial ha venido siguiéndole los pasos a San Roque - Espacios ideales, uno de los proyectos arquitectónicos más interesantes en la periferia de Bogotá, compuesto por un edificio de oficinas, consultorios médicos y una plazoleta central rodeada de una amplia variedad de locales comerciales y restaurantes.  

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Andrés Ortiz es el gerente de Contexto Urbano, una empresa de diseño arquitectónico y urbano fundada hace 25 años que actualmente cuenta con 70 arquitectos. Creen que la arquitectura debe ser real, pensada para el mundo real, competido, debe ser un negocio rentable, respetuosa del ser humano y del medio ambiente, hecha para la gente real y sus necesidades reales.
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Muere la renombrada arquitecta Zaha Hadid a los 65 años de edad.
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Panadera y repostera. Así se define Silvana Villegas. Si bien estudió cocina en la mecca de la culinaria americana, el Culinary Institute of America, allí mismo se especializó en lo que siempre fue su pasión, la panadería y la repostería. Pasión que viene de mucho atrás. Su padre, biólogo marino y camaronero, decidió que su futuro estaba en unir esfuerzos con su esposa quien ya venía trabajando en repostería casera, y montar un negocio el cual han forjado a través de los años con mucho trabajo y dedicación. Y de ahí le viene el gusto por este oficio.

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Silvana Villegas, fundadora de Massa. 

 

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¿Qué es un loft? Frecuentemente, vemos este término siendo aplicado a todo tipo de estructuras y espacios independientemente de si son nuevas o viejas, remodeladas o no, con o sin historia. 

En el diccionario de Oxford la palabra Loft significa “espacio relativamente grande y generalmente abierto que se encuentra en cada una de las plantas de los edificios industriales y almacenes de Estados Unidos” también hace alusión  al desván o planta superior de un almacén o fábrica. A la hora de hablar de vivienda es ahí donde se ubica la definición de loft, ese espacio de antecedentes industriales  rehabilitado y destinado a un uso principalmente doméstico, de gran amplitud, diáfano y cuya estructura original se conserva e incorpora a la arquitectura interior vistiéndolo con un aire tosco de fábrica o taller.

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Galería de Tecnópolis para la Investigación Industrial, Hangar 19 - Arquitecta Andrea Oliva.

La definición del diccionario nos lleva inmediatamente a su lugar de origen, Estados Unidos. Entre los años 30’s y 40´s, las fábricas y grandes empresas necesitaban facilidades de mayor tamaño para su producción, llevándolos a buscar y ubicarse a las afueras de la ciudad, dejando abandonados los edificios donde una vez operaron. Estos espacios, grandes, iluminados y sobre todo abandonados, llamaron la atención de estudiantes, artistas, escritores e intelectuales de bajo poder adquisitivo quienes aspiraban a un lugar así para el trabajo diario de sus obras. Actualmente esta zona es el popular barrio Soho, en la isla de Manhattan.

Los artistas no estaban solos, contaron con aliados muy importantes como los defensores del patrimonio arquitectónico y el pasado urbano, quienes al ver que las fábricas declararon ese sector como obsoleto, se dedicaron a re pensar y re analizar los lugares teniendo siempre presente el modelo de vida de aquellos artistas e intelectuales que vivían y trabajaban en talleres, áticos y buhardillas del parisino barrio de Montmartre.

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Broadwalk Soho, New York, Estados Unidos.

Activos defensores del patrimonio arquitectónico y el pasado urbano, declarado obsoleto por el sector industrial, constituyeron allí una nueva forma de vida en la que tenían siempre presente el modelo de aquellos artistas bohemios que vivían y trabajaban en talleres, áticos y buhardillas del parisino barrio de Montmartre. Aunque estas personas intentaran constituir un modo de vida en estos espacios, hacerlo era ilegal. Había dos circunstancias que permitía que esto funcionara así, los propietarios estaban desesperados por alquilarlos, y para los artistas era una oferta al poder vivir en un lugar que integrara vivienda y espacio de trabajo, aunque esto significara adaptarse a vivir sin comodidades, es decir sin agua caliente ni calefacción.

Así nació una estética  y un estilo propios de la cultura underground, alimentados por la atmósfera iluminada y fría de estos espacios, las incomodidades que pasaba el artista viviendo ahí pasaron a formar parte de su puesta en escena propia del artista vanguardista que se mostraba contrario al ideal social que prevalecía en aquellos años. La idea,  de “casa con jardín, carro, hijos, perro”  era un símbolo de éxito, por eso habitar un espacio industrial abandonado, en contra de la ley era una forma de emancipación.

Al transformarse el distrito de  Soho, pasando de ser un sector abandonado de la ciudad a uno muy poblado, la New York City Planning Comission,  entidad encargada de planificar la estructura de la ciudad, tuvo que cambiar su plan de derribar la mayor parte de los edificios de LOFTS para construir una autopista. En 1963 se publica un informe llamado RAPKIN, donde se detalla la actividad económica de la zona y las condiciones físicas del distrito. En el se registran los signos de recuperación impulsados por los artistas que se trasladaban a ese barrio, también se resaltaba la lucha de los activistas del patrimonio arquitectónico por mantener los edificios con estructura de hierro fundido como patrimonio urbanístico de la ciudad. Por eso el distrito de Soho es famoso, pues conserva edificaciones que datan de 1850. Las conclusiones del estudio sirvieron para salvar el lugar y el devenir del movimiento LOFT.

En 1964 y 1971, la ciudad de Nueva York dictó unas ordenanzas que permitían la ocupación de los LOFTS con uso residencial en áreas específicas como los barrios del Soho, Tribeca, Chelsea y Greenwich Village. En el primer año ya había 3.000 artistas registrados. Estos debían colgar en sus puertas  unas placas con las iniciales A.I.R. (Residencia de artista) para facilitar la localización a los bomberos en caso de incendio. Esto condujo a proyectos de rehabilitación muy cuidados en los años 80’s y 90’s.

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Restauración de la antigua iglesia de la Corbera d'Ebre, Terra Alta, Tarragona.

La versatilidad del LOFT por su gran espacio y excelente iluminación natural permitió que fueran plataformas perfectas para otros movimientos artísticos como la escultura. El expresionismo abstracto y el arte pop surgieron en pleno corazón industrial y llegaron a establecer la superioridad de Nueva York sobre París como capital del arte en Occidente. Pero no hay duda de que el LOFT más conocido de todos los tiempos ha sido el que creó Andy Warhol en noviembre de 1963 y al que nombró The Factory. Localizado en el 231 de East 47th Street, Andy  reunía allí a la llamada “LOFT people” y comenzó a producir los discos de Lou Reed y la Velvet Underground, convirtiéndose así la vida en un LOFT en objeto de culto.

El trabajo de los artistas del Soho atrajo el interés de los comerciantes de arte que pronto los promocionarían internacionalmente. Esto promovió la formación de galerías de arte y de otros comercios como restaurantes y tiendas que integraban el círculo artístico, expandiendo así la cultura LOFT a otros espacios y haciendo próspera y rica la vida en el barrio neoyorquino.

Con el tiempo este estilo de vida llegó a la clase media. Ésta se sintió atraída por esa forma de vivir tan atractiva y la adoptó, poblando distritos y edificios habitados por artistas  incitando que estos se molestaran y se mudaran a otros barrios, con lo que el fenómeno LOFT empezó a propagarse. También se expandió internacionalmente desde los primeros tiempos gracias al impulso de jóvenes empresarios, que habían tenido contacto con esta forma de vivir, y a la aparición en los medios de comunicación debido a su impacto social: los LOFTS sirvieron de fondo de muchos retratos de los habitantes y artistas famosos que vivían en ellos.

Aparecieron en televisión  y en conocidas películas. Desde la década de los 60, han sido lugares de experimentación para arquitectos e interioristas, atrayendo todavía más a los medios de comunicación y convirtiéndolos en el estilo de vida creativo por excelencia, el ideal del modo de vida urbana para muchos.

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El legado del espacio abierto, apartamento a doble altura en Nueva York.


OPEN SPACE

A partir de la creación y restauración de estos espacios abiertos propicios para la creatividad y la inclusión, que  rompe con las normas, con la separación entre femenino y masculino, entre lo formal y lo informal, la recepción pública y el momento privado, etc… se forma un movimiento al rededor que reflexiona sobre la eliminación de barreras para la incrementación en la productividad de las personas en los espacios de trabajo, además de su propia felicidad y comodidad. Se le llama a esto la Tecnología de Espacio Abierto, es una forma de permitir a toda clase de personas, en cualquier tipo de organización, crear reuniones y eventos que inspiran. Durante los últimos 15 años, claramente se ha ido percibiendo como el Espacio Abierto puede crear organizaciones inspiradas, donde personas normales trabajan juntas para crear resultados extraordinarios con regularidad.

El Espacio Abierto funciona mejor cuando el trabajo que se debe realizar es complicado, las personas y las ideas que están involucradas son diversas, la pasión por resolverlo (y potencial para conflictos) es enorme, y el tiempo para realizarlo "era ayer". Es llamado pasión limitada por la responsabilidad, la energía de un buen "coffee break", auto-organización intencional, espíritu en el trabajo, caos y creatividad, evolución en la organización, y una forma poderosa y sencilla de hacer a las personas y a las organizaciones moverse-cuando y donde es más necesario.

Y mientras que el Espacio Abierto es conocido por su falta de estructuración y abierto a sorpresas, resulta ser que los eventos u organizaciones de Espacio Abierto son, de hecho, muy estructuradas-pero esa estructura es tan perfectamente diseñada para las personas y para el trabajo diario, que pasa desapercibida en sus roles de dar apoyo (no obstaculizar) a un trabajo mejor realizado. Aún más, las historias y trabajos que se realizaron en Espacio Abierto son generalmente más complejos, más fuertes, más duraderos, y se pueden mover de manera más rápida y ágil que trabajos realizados por expertos o bajo los diseños administrativos convencionales.

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San Roque - Espacios Ideales

En Bogotá se encuentra una propuesta urbanística que ofrece este tipo de espacios de vivienda y oficina, San Roque - Espacios Ideales es integra las últimas tendencias mundiales a la hora de trabajar, mejorando la calidad de vida y aumentando la productividad laboral. San Roque es un proyecto dinámico e innovador, cuya arquitectura fue concebida para “crear lugar”. Es por ello que las formas de cada uno de sus espacios no son el fin último, sino más bien constituyen herramientas para inspirar, para recrear historias y propiciar la interacción entre sus habitantes y usuarios. Es una arquitectura diseñada para que se consolide con el paso del tiempo, y para que los espacios interiores y exteriores se interrelacionen y complementen. Al salirse de los moldes cotidianos y la estructura tradicional y preconcebida sobre lo que son los espacios de trabajo, este proyecto se convertirá en un referente para los futuros desarrollos de la zona. San Roque fue capaz de imaginar una fábrica que está adaptando sus instalaciones para albergar oficinas y locales comerciales, invitando a sus clientes también a generar su espacio personalizado.

Galería de imágenes:

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LA RECOPILACIÓN DE LOS DISCURSOS DEL PREMIO PRITZKER BRINDA UN RETRATO DE UNA PROFESIÓN POLIÉDRICA.

A no ser que rompamos con nuestra dependencia de lo real y nos demos cuenta de que la arquitectura es un camino para reflexionar sobre cualquier tema, desde el más político al más práctico; a no ser que nos liberemos de la eternidad para poder especular sobre problemas urgentes e inmediatos, como la miseria o la destrucción de la naturaleza, nos arriesgamos a que la arquitectura no llegue a 2015”. Rem Koolhaas dijo esto en el Parque Arqueológico de Jerusalén hace 16 años, cuando él, con 56, recogió el Premio Pritzker, el premio de arquitectura más importante del mundo. Lo que el holandés haya hecho desde entonces no le resta capacidad adivinatoria: claro la arquitectura ha llegado hasta 2016, pero lo ha hecho tocada. Un repaso a los discursos de aceptación de los arquitectos más reconocidos del mundo permite intuir esa deriva. O esa evolución.

EL ESPACIO VIRTUAL Y EL MUNDO REAL

A Koolhaas, autor de la sede de la televisión china en Pekín, le preocupa el espacio virtual y la defensa del mundo. Con esa misma ambición, el autor de la T4 de Barajas, Richard Rogers, afirmó que los arquitectos tienen no pueden ser apolíticos y tienen que comprometerse . Y el portugués Eduardo Souto de Moura añadió “los arquitectos tenemos que cambiar”. ¿Cómo? Souto sugiere atender a los caracteres chinos que componen la palabra crisis: el primero indica peligro, el segundo oportunidad.

EL DISCURSO UN RETRATO DE VALORES

Así, el libro Premios Pritzker Discursos de aceptación, 1979-2015 (Fundación Arquia), editado por los profesores de la Escuela de Pamplona, Rubén A. Alcolea, Héctor García-Diego, Juan M. Ochotorena y Jorge Tárrago es un pequeño tratado en el que la disciplina da explicaciones al mundo. Y un retrato de la evolución de los valores asociados a esa profesión. Por eso todos los premiados terminan retratados. Desde el primero, Philip Johnson —un arquitecto más influyente por las exposiciones que organizó en el MoMA que por lo que construyó— cuando declaró que “el premio no es para mí, es para el arte de la arquitectura” hasta Renzo Piano, que declaró su oficio “un arte socialmente peligroso” cuando recogió su galardón en 1998.

En el apartado biográfico, la dificultad de los comienzos no hace referencia a la falta de medios sino al miedo a imitar. El autor de la Torre Agbar de Barcelona, Jean Nouvel, se esfuerza en explicar por qué cada uno de sus edificios es diferente y recurre a Michel Foucault para recordar que “el futuro de la arquitectura no es arquitectónico”. Piano busca en la ciencia. “Para ser un científico el arquitecto debe ser un explorador y no temer la aventura. Crear significa intentar agarrar algo de la oscuridad, abandonar las referencias”. Y el único Pritzker español, Rafael Moneo, denuncia el peligro “de creer que la arquitectura es simplemente el reflejo la cultura de un momento”. Cuando él lo recibió, en 1996, aseguró que muchos arquitectos buscaban “expresar movimiento en lugar de estabilidad”. El suizo Peter Zumthor dijo algo parecido pero haciendo autocrítica: “Era terrible. En mis edificios podía oírse el debate arquitectónico del momento. Era la última vez que no era yo mismo”.

Un caso especial es el de Luis Barragán. El discurso de aceptación del mexicano es un testamento. Tal vez por eso es uno de los más esforzados. En él reconoce una obra que resume en belleza, silencio, soledad, alegría, jardines y muerte: “la certeza de la muerte es fuente de vida”.

De “la arquitectura es un arte” del austriaco Hans Hollein, al “espacio para el ser humano, soporte de su dignidad” del alemán Gottfried Böhm, la elocuencia de Rem Koolhaas resume su personal historia de la arquitectura entre dos polos. El de los grupos y movimientos —la arquitectura ideológica de los años 50— y el de las identidades singulares medio siglo después: “Nos respetamos mutuamente, pero no formamos una comunidad”. “El cliente ya no es el estado sino individuos privados que”, atención, “a menudo se aventuran en propuestas con una ambición desmedida y una ejecución carísima” dijo el holandés en 2000. Es cierto que continuó reconociendo que los arquitectos acogen esas propuestas con los brazos abiertos, pero ¿de verdad piensa que son los clientes los que proponen y los arquitectos los que disponen y no que funciona al revés?

En un tono más personal, el australiano Glenn Murcutt confiesa haber suspendido la asignatura “soleamiento y protección solar”, el tema en el que terminaría siendo un especialista. “El fracaso es una magnífica forma de aprender” dijo antes de repetir un consejo de su padre: “Recuerda que debes comenzar como te gustaría terminar”.

TIRAR MUROS

 En esa línea autobiográfica, el noruego Sverre Fehn se fue a Marruecos a estudiar la llamada arquitectura primitiva. “No es un viaje de exploración en el que descubras cosas nuevas, las reconoces”. Y el japonés Toyo Ito asegura que su trabajo “siempre ha tratado de echar abajo el muro que separa la arquitectura moderna de la naturaleza”. Es, sin embargo, de nuevo Piano, el que hace “una llamada a la dignidad de nuestra profesión. Sin esta dignidad corremos el riesgo de perdernos en un laberinto de modas y tendencias”, dijo el autor del Pompidou que, conviene recordarlo, se inició como Shigeru Ban realizando para la Unesco arquitecturas de emergencia.

El brasileño Paulo Mendes da Rocha fue el primero en reivindicar que la paz sea la piedra angular de la arquitectura. Pero fue el único Pritzker chino, Wang Shu, quien en 2012 puso el dedo en la llaga explicando su obsesión: “¿Están mis edificios arraigados en mi propia cultura? ¿Cómo puede un simple arquitecto mantener una actitud y una forma de trabajar opuestas al poderoso y omnipresente sistema moderno?”. La respuesta es un clásico: no puede. Le queda el esfuerzo de intentarlo alumbrado, o cegado, por el convencimiento. A eso se dedican Wang Shu y su socia, Lu Wenyu.

REDACCIÓN 

TOMADO DEL PERIODICO EL PAÍS, ESPAÑA, 2016.

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Después de 12 años de subdesarrollo en temas infraestructura, espacio público y equipamientos urbanos, Bogotá al fin despierta hacia una nueva etapa llena de proyectos emocionantes que incidirán en su desarrollo y en sus dinámicas sociales. 

Por esta razón les traemos una compilación de nuevas apuestas arquitectónicas que en nuestra opinión tendrán un impacto positivo en la forma de concebir y pensar la arquitectura en las próximas décadas. 

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1. Torres Atrium / Richard Rogers & Giancarlo Mazzanti

Muy poco se sabe sobre el proceso de construcción de las ‘Torres Atrio’ que inició el 19 de enero del 2015 en Bogotá, salvo que es un rascacielos de más de 70 pisos de altura, diseñado y concebido por el arquitecto ganador del Pritzker (2007) Sir Richard Rogers en un encargo especial por la firma Chaid Neme Cia.

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 2. BD Bacatá / Grupo Alonso Balagúer

Este mega-proyecto es el rascacielos más alto en Colombia hasta la fecha y fue diseñado por la oficina de arquitectos españoles Alonso Balaguér, el gigante de uso mixto comprende diferentes funciones: vivienda, oficinas, hotel, centro comercial de convivencia y parqueadero.

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3. Vitrum / Richard Meier + Icono Urbano

Vitrum es una elegante torre de 26 apartamentos diseñado por Richard Meier, es una de las mayores apuestas residenciales en materia arquitectónica de la década. Este proyecto estará ubicado en el lote de la calle 93 con séptima, al lado del Seminario Mayor y cerca del Museo del Chicó, en el norte de Bogotá.

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 4. San Roque – Espacios Ideales / Contexto urbano + Latrocha + Múltiplo

Ubicada en la sabana de Bogotá sobre la milla de oro en la vía Chía – Cajicá, se encuentraSan Roque – Espacios Ideales,  un proyecto que busca mejorar las condiciones en la calidad de vida y al mismo tiempo ofrece nuevas alternativas de trabajo para aquellos que viven a las afueras de la capital.

Diseñado para mejorar la calidad de vida, integrando el bienestar humano, social y laboral, San Roque - Espacios Ideales cuenta con una bellísima plaza central equipada con los mejores servicios empresariales y restaurantes, ambientando sus ideas de negocio entorno a esta experiencia única.

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5. Nueva sede de la Cinemateca distrital / Colectivo720

En la calle 19 con carrera 3ª estará ubicada la “Nueva Cinemateca de Bogotá”. Este espacio cultural que actualmente no satisface las necesidades de una ciudad de 8 millones de habitantes; cuenta con una única sala de proyección para 180 personas, una biblioteca reducida y unos escenarios limitados para la gestión de proyectos.
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MENOS SIEMPRE SERÁ MÁS, LOS INICIOS DEL MINIMALISMO

Menos es más, es una frase que se ha infiltrado en nuestra boca, en nuestra forma de pensar y de ver el mundo. Entre menos ruido encontremos mayor será el impacto. Y esta frase, como un mantra silencioso, nos ha hecho pensar que al enamorarnos de lo esencial es posible contestar el exceso que nos rodea.  

Ludwig Mies Van Der Rohe nació en Alemania en 1886 en una época en donde se le exigía a todos los hombres del continente encontrar la mejor versión de humanidad que pudieran ofrecerle al mundo y logró canalizar esa necesidad en la Arquitectura y el Diseño.

Conocido como uno de los arquitectos de mayor influencia del siglo XX, este hombre encontró en la arquitectura una forma de hablar, desde su mantra silencioso, del mundo que lo rodeaba y  junto a Le Corbusier, Frank Lloyd Wright y Walter Gropius conformaron los nuevos cimientos para una nueva forma de entender el pensamiento creativo. Entendieron las necesidades de replantear los métodos de concepción para generar un pensamiento moderno en donde primaban la limpieza de las formas, el uso de nuevos materiales y una belleza estructural heredados de la buena geometría y del pragmatismo de la era industrial y fue así como empezó a nacer el minimalismo.

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Para Mies Van Der Rohe, menos siempre era más. Entre menos ornamento menor era el delito, más fuerte era la apropiación del objeto y todo el proceso de creación era mucho más sencillo.               

Y en esa simbiosis entre la modernidad, el racionalismo y lo austero creó una línea de pensamiento de un nuevo modelo de concebir y pensar a la hora de diseñar cualquier tipo de elementos, desde edificios hasta objetos, y del cual, se alimentaron movimientos tales como como De Stijl, la Bauhaus y el racionalismo no solo desde su punto estético pero también lo adoptaron como un modelo de pensamiento creativo crítico. 

UN STATEMENT SOBRE LA MODERNIDAD, EL DISEÑO Y EL PODER.

Mies van der Rohe es reconocido por trabajos como la casa Fransworth, el Crown Hall o la Nueva Galería nacional de Alemania, pero algunos de sus trabajos más importante empezaron en 1929, para la Exposición Internacional de Barcelona, en donde el arquitecto creó el pabellón nacional de Alemania, conocido por ser un espacio que proyectaba modernidad, espacios amplios y blancos en donde se podía navegar hasta perderse.

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Para ese espacio también se creó la silla Barcelona o silla MR90 que era unos de los elementos que alimentaban el espacio y que posteriormente adquiría un valor arquetípico que trascendería hasta nuestros tiempos. Se trataba de una silla que debía ser creada para la realeza pero que a la vez debía proyectar todos los valores de una época; poder, progreso y democracia. 
La silla Barcelona es una de las sillas icónicas del diseño moderno porque, desde su propio lenguaje, habla en un tono polisémico del poder y del futuro.             

Es una silla que en su concepción formal sigue la función y con elementos curvos, estructuras visibles y cojines texturizados en cuero, esta silla invita a sentarse, sin más, sin ningún ornamento, claro ejemplo del mundo minimalista.

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Pero no solo eso, desde el punto de vista simbólico la silla está inspirada en la silla curulis, la silla de poder de los romanos y la forma de tijeras que la sostienen,  fue utilizada por la asociación de las sillas plegables de Egipto, que a su vez, era un símbolo de realeza. Esta silla a través de valores como lo icónico, lo funcional y lo estético conjuga elementos importantes de análisis. Creada en sus inicios de una forma artesanal se quería proyectar hacia el futuro con materiales como el acero cromado que puede traducirse como una forma de concebir el progreso; pasar del mundo artesanal para potenciarlo a través de la tecnología. Pero también desde su aspecto formal y estético la silla Barcelona habla del poder y la necesidad de crear un nuevo mundo, pensamientos propios de la época de entre guerras de los años 30 en Europa y de la arquitectura racionalista y que se reflejan en las células formales de poder que la silla maneja.

Toda esta combinación de elementos en un objeto; la realeza mezclada con el progreso de democracia, lo artesanal reconciliado con el mundo industrial, la estética limpia que habla de poder cuando antes el ornamento lo hacía; toda esa idiosincrasia formal y simbólica hacían de esta silla un grito de libertad creativa. La silla Barcelona es un icono del Diseño no únicamente por ser una silla hermosa sino por ser capaz de hablar de formas libres de pensar en una época en donde en la historia de la humanidad iban engendrándose doctrinas peligrosas de antisemitismo y prácticas extremas y esta silla, salida de la gran mente de Ludwig Mies van der Rohe, es un recuerdo de libertad, modernidad y rebeldía creativa en un momento en donde la modernidad no cruzaba sus límites y era entonces un respiro creativo profundo.

LA MODERNIDAD EN TIEMPOS CONTEMPORÁNEOS

Las enseñanzas del diseño y la arquitectura del siglo XX tal vez silenciosamente rebeldes, acompañan muchos de nuestras formas de crear. En su momento, hablaron de la posibilidad de generar lineamientos y formas de pensar que trascendían el plano del pensamiento para también trasladarse a los objetos y la arquitectura haciendo de éstos elementos edificantes de lo humano desde el punto de vista social, cognitivo y practico como lo decía Pierre Lévy.

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Lo que rodeaba a los hombres modernos también era en un reflejo de su ser; una forma de reconciliar el consumo con su forma de vivir la vida y de entenderla.      

Tal vez el pensamiento minimalista tenía una lección que enseñarnos y el mundo creado por Mies van der Rohe, desde su arquitectura hasta su diseño objetual, es un recuerdo de la posibilidad de hablar a través de objeto sobre el mundo que nos rodea y del que queremos crear.              
Puede ser, que en este mundo posmoderno y como lo pensaba Bourriaud, en donde existe una saturación estética fuerte, el minimalismo pueda recordarnos que posible crear desde la simpleza filosófica de los objetos y tal vez el poder simbólico de esta silla pueda trascender y llegar a estos tiempos contemporáneos, y nos sirva como un tótem para recordarnos que la creatividad es y debería ser un acto de rebeldía silenciosa.

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